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Votre album vient de sortir il y a quelques semaine, mais votre single Bulletproof est déjà n°1 en Angleterre. Ce succès soudain vous fait-il peur ?
Ça n’est pas tant que ça fasse peur, mais il faut du temps pour s’y habituer. Nous n’avons pas le temps d’y penser qu’il faut déjà passer à autre chose. Vous devez le faire, et vous le faites. Ce qui peut paraître frustrant quand ça va si vite, c’est que vous avez toujours rêvé que les choses se passent ainsi et en même temps tout le monde commence à vous observer. Par exemple, nous jouons live depuis février, mais tout le monde s’attend à ce que vous produisiez quelques chose d’équivalent à des artistes qui jouent depuis des années à cause du succès, et ça c’est un peu difficile.

Vos influences sont clairement Tears For Fears, Yazoo et Talk Talk. Comment expliquer le fait que nous ayons à nouveau besoin de ces sons new wave.
Personnellement, je n’ai pas aimé grand chose depuis les années 80, mis à part certains sons dance ou les sons électroniques français des dernières années. Mais pour moi, il ne s’agit pas tant de retourner en arrière, mais de continuer, si vous voyez ce que je veux dire. Pour moi, les années 80 restent la dernière grande période en musique.

Derrière les sons électroniques, il reste une mélodie. Est-ce parce que vous avez beaucoup écouté Chuck Berry, Buddy Holly ou Nick Drake par le passé ?
Vous savez il n’y a rien de compliqué dans le fait d’écrire une chanson, une mélodie et une voix, une instrumentation et une voix. Tout cela vient de la simplicité du rock’n’roll, avec trois accords. Pour la pop, nous avons besoin de cette simplicité qui permet aux gens de se raccrocher à elle. Elle doit vous permettre de ressentir quelque chose de manière immédiate, comme chez Joni Mitchell, mais aussi dans les grandes mélodies qu’on entend dans des chansons plus mainstream des années 80 de Georges Michael ou de Cindy Lauper. De grandes mélodies !

Vous vivez à Brixton, la ville du bassiste des Clash, Paul Simonon. Est-ce qu’un projet dub ou reggae pourrait vous intéresser ?
Là, où je vivais vous ne pouviez pas échapper au reggae ou au dub. Le producteur Dan Carey qui vit près de chez moi est branché dub. Il a joué avec Sly and Robbie. Personnellement je préfère le dancehall au dub, ou les remix dubstep. C’est quelque chose qui m’intéresse, mais c’est éloigné de ce que je fais aujourd’hui. Si je faisais quelque chose comme ça, ça serait pour moi.

Vous dites que vous avez besoin de souffrir pour écrire des chansons.
Non, je n’ai pas besoin, mais certaines personnes en ont besoin. Là, en l’occurrence pour cet album, c’était le sujet. La chose la plus difficile pour un compositeur, c’est d’écrire sur la joie et le bonheur, comme dans le morceau de Jackie Wilson, Your love keeps lifting me higher.

Vous allez tourner beaucoup. À votre retour chez vous, quelle serait la chose que votre compagnon pourrait faire pour vous rendre heureuse ?
Me préparer un bain, me préparer à manger, et me laver tous mes vêtements, ça serait vraiment sympa.

Il paraît que vous parlez français.
Non. Nous avons une maison ici. Ma grand-mère y a vécu les quinze dernières années de sa vie. Quand elle est décédée, il y a une dizaine d’années – j’avais douze ans –, elle nous a laissé sa maison et nous nous y rendons de temps en temps. Le reste de ma famille parle le français, ma sœur vit à Montpellier. Alors que j’utilise un nom français, je suis la seule à ne pas parler le français.

Mais vous avez choisi un nom français, La Roux.
Je sais.

Comment le prononce-t-on en Angleterre ?
La Roux, simplement la Roux. Certains le prononcent La RouX (en accentuant le “x”, ndlr), mais c’est comme pour Justice qui n’aime pas qu’on le prononce à la française. Donc, juste La Roux.

Propos de Laroux recueillis par Emmanuel Abela de Flux4. crédits photo : Flux4

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Soundshunter : Présentez vous en quelques mots.
C. & D. : Deck D’Arcy bassiste et Christian Mozzalai guitariste.

SH: Comment vous êtes vous rencontrés?
C. : Phoenix, on est en 1992, on se connait, on est haut comme trois pommes.
D. : En fait on s’est rencontré au CP avec Christian.
C. : On s’est rencontré très jeunes on a fait de la musique ensemble depuis qu’on a 10 ans.

SH: Quelles sont vos influences?
C. : Il y en a énormément, mais les premiers groupes sont My Bloody Valentine, des groupes anglais comme ça.

SH : C’est ce qui a été déterminant dans le choix de chanter en anglais?
C. & D. : Oui exactement.

SH : Cela n’a t-il pas été un handicap pour conquérir le public français?
D. : Peut être.
C. : Ça l’a peut être été à un moment, mais on n’a jamais pris ce facteur en considération.
D. : On ne créer pas en fonction du succès,
C. : Nos choix artistiques ne dépendent pas du succès, c’est vraiment secondaire.

SH : Ce n’est pas la première fois que vous venez aux Eurockéennes, qu’est ce qui vous a donné envie de revenir?
D. : Ça c’est super bien passé la dernière fois, on joue au même endroit, presque au même moment. Mais bon ça met un peu la pression vu que la dernière fois ça c’est bien passé, on doit faire quelque chose de mieux. Il faut juste espérer qu’il ne pleuve pas.

SH : Par rapport aux autres festivals qu’est ce que vous trouvez de différent ici?
D. : Les Eurocks font parties des gros festivals. C’est un gros festival, on aime bien les petits et les gros, en fait on aime bien un peu tout.. ce qui est intéressant c’est de faire des choses différentes.
C. : on peut aussi bien faire des petits festivals, comme hier on était en Allemagne, ou des gros.
D. : la dernière fois on était a Arras c’était super, on était en plein milieu d’une place.
C. : En plus ici il ya des bon groupes dans la programmation. C’est bien !

SH : Que pensez vous de la programmation de cette année?
C. : Glasvegas, Passion Pit, il y a vraiment des bons groupes.

SH : Concernant votre dernier album Wolfgang Amadeus Phoenix, qu’est ce qui vous a influencé dans le choix des titres et des musiques?
D. : A la base on voulait faire un album futuriste par rapport aux précédents. On avait un tas de concepts qu’on a abandonnés assez vite, mais c’est toujours pareil, dès qu’on part d’idées qui sortent de notre cerveau elles sont assez vite ringardes, donc on préfère se laisser aller au gré du hasard et de quelque chose d’excitant, ce qui créer la magie des morceaux. On a assez peu de restrictions.
C. : On voulait faire un album risqué, avec du risque.
D. : Un album est à chaque fois un risque, on ne sait jamais vraiment comment le public va le prendre. Quand on a terminé cet album, on était vraiment content mais on pensait que le public ne suivrait pas.
C. : En fait on peut le dire, je crois, c’est notre plus grand succès, mais on n’arrive toujours pas à comprendre. Sur scène c’est quelque chose d’incompréhensible!

SH : Avez vous une préférence pour un titre en particulier?
D. : L’album est assez court, on l’a chéri, c’est du concentré.
C. : A la base on avait 15h de musiques qu’on a concentré en 35 min.
C. & D. : « Love like a sunset », cette musique on l’a commencée au début de l’album et on l’a finie à la fin, on a mis un an et demi pour la faire, on en a bavé! D’ailleurs elle est au milieu de l’album comme ça on ne la loupe pas.

SH : Un titre qui vous représente? Un groupe?
C. : Le nouvel album que j’écoute beaucoup est « Music for airport » de Brian Eno.
Je connaissais de nom et je pensais que c’était un peu chiant, mais en fait c’est fabuleux.
C’est le nouveau groupe minimaliste que j’écoute, d’ailleurs on l’écoute tous dans les loges après le concert pour faire le vide.

SH : Comment vous préparez-vous pour la tournée? il y a un truc spécial?
D. : Non, pas vraiment. Pour travailler on réfléchit, on a pas beaucoup répété,
C. : en ce moment on vit au jour le jour. On réfléchit le moment venu, par exemple on ne sait pas encore ce qu’on va faire ce soir.
D. : On conceptualise plus pour les tournées que pour les albums en fait.  Car c’est quelque chose de concret. il faut prendre plus de temps pour réfléchir afin d’aboutir à un bon résultat.

SH : Un rituel avant les concerts?
C. : Les marches d’escaliers, il y a toujours des marches d’escaliers ! Donc on fait n’importe quoi pendant dix minutes entre nous! [Rires]

Encore un grand merci à Deck D’Arcy et Christian Mozzalai pour leur disponibilité et ce moment sympathique passé en leur compagnie et bonne chance pour leur novuel album Wolfgang Amadeus Phoenix.

Pour en savoir plus sur Phoenix, les dates de concert, la discographie, … tous les détails sur le site officiel ou le Myspace du groupe !

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crédit photo : Laurent Bronx, DFragment music.

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On suppose que votre culture est rock à la base, le reste-t-elle malgré votre esthétique électronique ?

XDR : Bien sûr, d’ailleurs je pense que notre esthétique n’est pas du tout électronique, aussi bien sur scène que sur les pochettes de disque. Les clips le sont un peu, ils sont d’ailleurs un peu hors-sujet par rapport au reste de notre esthétique, mais c’est bien de ne pas être trop fermé là-dessus. D’ailleurs, nous écoutons de la pop, allant du rap au rock ou encore au folk…
GA : Les vidéos sont plus pop qu’électroniques d’ailleurs.

À quel moment, la formule à deux vous a semblé la plus propice ?

XDR : Notre complicité date depuis 2003. Nous avons joué dans des groupes de lycée comme tout le monde, sans concert ni rien, mais l’expérience nous a permis de nous rendre compte qu’il ne faut pas avoir trop d’intervenants. Nous aimons bien avoir des discussions bilatérales qui nous permettent d’avoir un recul qu’on n’a pas quand on est seul. Je ne sais pas si c’est parce qu’on est misanthrope ou quoi que ce soit, mais pour nous les discussions triangulaires ou quadrangulaires deviennent rapidement ingérables et interminables. Ce que nous aimons dans notre musique, ce sont les intentions pop passées à la moulinette électronique avec cette puissance et cette précision qu’on ne peut pas avoir en groupe et c’est sans doute le décalage entre ces styles musicaux qui crée quelque chose de plus intéressant que si nous jouions avec un groupe. On essaie avec ce qu’on a, c’est-à-dire pas grand-chose, d’écrire des chansons ou des morceaux de manière assez classique, puisqu’on les écrit toujours au piano puis on les enregistre. Finalement c’est le grand écart entre ces deux manières de composer qui nous intéresse et nous amuse.

À l’écoute de votre disque, on a le sentiment que le travail autour des samples cache un autre aspect de votre travail de composition ?

XDR : La majorité des disques que nous avons samplés ne sont pas identifiables et je pense que même leurs auteurs des compositions ne reconnaîtront jamais ce qu’on leur a pris. Rien que dans Stress, il y a des samples de Beyoncé, de Captain & Tennille, mais ce sont des bouts tellement courts qu’ils sont non identifiables, à l’exception de La Nuit Sur Le Mont Chauve de Moussorgski qui est le sample le plus reconnaissable du disque [échantillonné à partir de la version disco figurant sur Saturday Night Fever, ndlr]. Nous ne cherchons pas des mélodies quand on sample des titres. Nous écrivons d’abord les morceaux et après quand nous cherchons une note bien précise, une note de basse par exemple qu’on ne souhaite pas exécuter en studio. Nous écoutons des disques, et dès que nous trouvons, nous échantillonnons, puis nous collons les notes correspondantes. C’est un travail assez méticuleux, mais l’avantage de l’échantillonnage, c’est que la note est déjà produite, elle sonne déjà super bien.

GA : C’est vrai que c’est plutôt du “vol de production” que de la composition, c’est des couches d’heures et d’heures de gens qui ont travaillé pour nous.

Vos compositions fonctionnent par couches successives ; du coup, vos compositions gagnent en densité …

XDR : Oui, c’est le mot que je cherchais, la “densité”. D’ailleurs les premiers retours sur le disque portaient sur le fait que c’était bien produit, alors que c’est un disque fait maison et qui ne s’en cache pas. Ce sentiment est sans doute dû à cette densité qui donne l’impression d’un son très massif alors que ça ne l’est pas dans les faits.

L’album donne une vision presque noire des choses, proche d’une vision d’apocalypse, avec la perspective d’un chaos possible, êtes-vous inquiets par rapport à l’avenir ?

XDR : Notre musique est complètement “décontextualisée”, nous ne sommes pas des gens inquiets, ni véritablement anxieux. En fait, on aime la musique qui se situe à cheval entre joie, mélancolie et tristesse. La musique très joyeuse est beaucoup plus dure à produire, il n’est pas évident d’innover de ce côté-là. Nous avons fait des tentatives dans ce sens, mais nous nous sommes toujours arrêtés, car nous avions le sentiment de sombrer dans le cliché.

Comment justifiez-vous votre succès sur un album pourtant assez difficile d’accès ?

XDR : Je pense que les gens ont toujours été prêts à condition qu’on leur donne des clés pour rentrer dans cette musique là. On s’est déjà dit plusieurs fois que nous faisions l’album Smash de Jackson And His Computer Band, qui à mon avis est un des meilleurs disques électroniques jamais réalisés, mais dans sa version plus accessible. Le disque de Jackson aurait mérité plus de succès, mais il fallait savoir par où le prendre. Après, le tout dépend aussi de la chance, des circonstances, une pub…

Avez-vous le sentiment qu’un courant véritable s’installe avec des groupes comme les Klaxons, The Teenagers, Sebastian, The Midnight Juggernauts, Simian Mobile Disco ?

XDR : Je pense que les relations sont plus amicales que musicales, tous ces groupes étant tellement différents. C’est aussi le cas pour Ed Banger ou cette branche de l’électronique française qui reste très variée.

Propos de Justice recueillis par Emmanuel Abela et Laura Fabing de Flux4. crédits photo : Cesar Sebastian, André Wolff, Marco Dos Santos

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Dans ton premier album, l’approche des compositions est quasiment cinématographique. Chacune d’elles raconte une histoire de manière très visuelle avec un environnement sonore très riche. D’où te vient cette façon d’aborder la composition ?
Il y a souvent un lien qui est fait par rapport au cinéma, beaucoup de gens établissent la filiation. Et c’est souvent à travers le travail autour du dialogue, des extraits, de la reconstruction. Personnellement, je pense que ce n’est pas le seul point d’accroche ; il y a évidemment une filiation avec la musique de films dans le travail d’arrangement, mais il y a aussi, je pense, une certaine façon de construire un album, de le scénariser, de se positionner un peu en tant que metteur en son… Pour moi, c’est quelque chose d’important, et j’ai toujours considéré les choses sous cet angle-là, c’est-à-dire l’envie de créer quelque chose d’un peu « global »… Pas forcément juste un titre, mais se mettre en posture pour qu’un auditeur puisse avoir envie d’écouter l’ensemble, tout simplement…

Avec tes morceaux, tu as envie aussi de raconter une histoire…
Oui, c’est ça… Après, ce n’est pas non plus hyper conceptualisé. Je dirais qu’il y a une porte d’entrée, et qu’ensuite chacun se fait sa propre histoire. Il y a un fil conducteur, c’est surtout ça. C’est ce à quoi je suis le plus attaché, l’idée d’un fil conducteur… D’une série de petites histoires justement, mais avec un liant.

L’idée de ces dialogues que tu places, est-ce venu spontanément ?
En fait, c’est venu graduellement. Pendant une bonne dizaine d’années, j’ai fait des projets annexes à côté, où l’utilisation de dialogues – on parle souvent de cinéma, mais ce sont aussi des contes pour enfants, des échantillons de vieux vinyles, des speechs d’entreprise, enfin vraiment tout ce qui me tombe sous la main, du 100 % recyclable – était toujours présente, mais un peu en filigrane, en deuxième plan. J’avais un projet rap français, un projet breakbeat, un projet de ceci, de cela, mais un moment donné, j’ai senti un ras-le-bol de tout ça, c’est-à-dire que l’envie de me lancer dans un projet qui me ressemble véritablement s’est imposée. À partir du moment où j’ai commencé à réfléchir au projet Wax Tailor sous cet angle-là, je me suis dit qu’il fallait vraiment que je trouve une sorte de dénominateur commun, quelque chose qui fasse la liaison entre tous les univers. Puis, je me suis rendu compte, avec un peu de recul, que le dénominateur commun, c’était ça : l’utilisation de ces petits bouts de phrases, ces petites choses, cette envie de construire. Je l’ai évidemment accentuée, j’ai essayé d’axer un peu autour de ça.

Est-ce éventuellement lié à la présence du vidéaste sur scène ? Par rapport à l’album, est-ce que c’est une manière de construire une histoire, un fil conducteur sur scène, les images ?
En fait, le point de départ de la formation scénique – parce que, pour moi, ce sont deux temps assez complémentaires et différents en même temps – s’est fait sans vidéos, sans images. J’étais assez réticent, parce je pensais que justement, la force de la musique, c’est sa capacité d’évocation, et que quelque part, d’imposer la vidéo c’était restreindre le champ des possibles pour l’auditeur. Ca m’embêtait un petit peu. Je suis parti sous cet angle-là, et puis assez rapidement, on a réussi à construire quelque chose en se disant tout simplement que c’était une forme de scénographie ; ce n’était pas autre chose, ce n’était pas forcer la lecture de quelqu’un, c’était dire « pendant une heure et demi, on vous emmène dans un spectacle, on essaye de vous faire rentrer par une porte dans un univers ». C’est un peu comme ça que les choses ont été construites et ont évolué au fil du temps. Dans un premier temps, on a travaillé sur de la vidéo, il y avait un travail de création de petits films autour de chaque titre, ce qui est encore le cas aujourd’hui sur certains titres. Et puis, il y a eu un deuxième temps : depuis la rentrée dernière, on travaille avec Nils Incandela qui lui est beaucoup plus dans une dimension de scénographie, de mise en scène, de travail de tableau sur chaque titre. En fait, là où il y a un travail figé, d’image fixe ; il travaille à la palette graphique, et la vidéo intervient dans cet ensemble. Ça prend une nouvelle dimension, en fait.

Je reviens au travail d’échantillonnage – tu affirmais que tu n’utilisais quasiment que du sampling dans la perspective d’obtenir un grain particulier, je suppose que c’est par rapport au vinyle. Est-ce que tu peux nous en dire plus par rapport à cette méthode particulière de composition ?
Je pense que, là encore, c’est quelque chose que je peux à peu près intellectualiser aujourd’hui, et qui était beaucoup plus spontané au moment où j’ai commencé. J’ai commencé à faire de la musique il y a une bonne quinzaine d’années, je suis rentré par la porte du hip-hop et du rap en particulier, à une époque où c’était quelque chose d’assez instinctif et logique. Le rap, c’était lié à cette culture, c’était lié à cette façon de procéder, donc je suis allé directement vers ce travail de sampling, au début beaucoup plus axé sur un ré-échantillonnage de boucles, d’éléments plus complets, etc… Et puis, au fil du temps, on se rend compte que c’est toute une technique, que ça  permet d’obtenir quelque chose au niveau du son, et qu’il y a une autre façon de l’appréhender en extrayant des notes par exemple, ou des sons qu’on recompose. En cela, je dirais que ce qui me différencie de ce qui se fait couramment, c’est plutôt d’axer la production sur la pré-production plutôt que sur la post-production. Beaucoup de groupes sont en mode « post-production », ils arrivent avec des instruments acoustiques et ils disent, après, « on va faire un son ». Moi, je suis beaucoup plus dans la logique de chercher les sons et de composer une musique à partir du moment où j’ai les sons. Aujourd’hui, ce n’est plus à 100 % vrai, dans la mesure où j’ai fait intervenir aussi des éléments acoustiques… Maintenant, je suis en pré-production et post-production, et j’essaye de trouver un équilibre. Mais malgré tout, le sampling reste au coeur du processus. C’est le noyau dur, vraiment.

Tu sembles être à l’écoute de plein de choses, il y a de la soul, du jazz, du funk… De temps en temps, il y a même des accents un peu pop. Mais la base de ta culture reste fondamentalement hip-hop, aujourd’hui…
Oui… Enfin, je ne cherche pas à éluder le truc… Disons que le hip-hop, dans ce que j’écoute aujourd’hui, dans les nouveautés, n’est plus prédominant, ça c’est sûr. Ce qui ne signifie pas que le hip-hop ne reste pas pour autant au coeur de tout… Mais c’est aussi l’histoire d’une rencontre, si j’étais né quinze avant, ça aurait peut-être été le punk, je n’en sais rien… Il y a sûrement ça aussi, c’est qu’on a une réaction par rapport à une culture parce qu’on arrive à l’âge où on est adolescent ; moi, je me suis construit un peu autour de ça… Aujourd’hui, je dirais que tout ce que j’écoute sert à nourrir ce que je fais. Donc, quelque part, ce n’est ni plus ni moins qu’essayer de réalimenter une culture par l’extérieur, tout simplement…

Généralement, on te classe dans l’abstract hip-hop, j’ai l’impression que c’est un peu réducteur…
Oui, c’est réducteur… Mais je trouve que ça ne répond pas complètement à la question. Ça aide les gens à avoir une lecture, c’est normal, donc ça ne me choque pas. Pourquoi le côté abstract hip-hop ? Sans doute parce qu’à un moment donné, on a voulu créer une classification qui permettent de situer des producteurs qui faisaient de la musique, et je crois qu’il y a quelque chose, par rapport à cette appellation, un dénominateur commun. Après, il est vrai que sur certains titres on part sur autre chose.

On évoquait le hip hop, mais l’une de tes influences reste aussi le trip hop, un genre musical qui est en train d’évoluer de manière assez surprenante… Je ne sais pas quelle écoute tu portes sur Portishead aujourd’hui ?
C’est marrant… Juste avant, on évoquait la question de l’abstract hip-hop ; souvent les gens me demandent si j’ai été influencé par DJ Shadow ou des gens comme ça, alors que pas du tout – j’ai beaucoup de respect pour leur travail, mais ça n’a jamais été une influence, parce que j’étais beaucoup plus dans un hip-hop orthodoxe, à la base… C’est beaucoup plus les gens de la old school qui m’ont influencé, je dirais… Par contre, Portishead, oui, ç’a été une rencontre dans mon parcours de musicien au sens où j’étais dans ce hip-hop stricto-orthodoxe et où, d’un coup, je vois ce truc qui arrive, en 1994… Ça m’a beaucoup fait réagir, c’est évident. Je pense qu’ils ont vraiment laissé deux albums qui resteront dans l’histoire de la musique actuelle et, pour ce qui est du troisième, je n’ai pas un recul débordant, mais je pense qu’on peut d’ores et déjà dire qu’il n’y restera pas forcément. [sic !] Ce n’est pas une petite raillerie méchante, j’ai beaucoup de respect pour les musiciens, Adrian Utley est un grand guitariste, c’est tous des supers bons… Je pense qu’ils vivent avec une pression qui est complètement différente, exacerbée, par rapport à ce que nous pouvons vivre… On me demandait si j’avais une pression sur un premier, deuxième album ; je reste une toute petite chose, un trublion électron libre, alors que pour eux la pression est énorme, d’autant plus qu’ils ont été à l’origine de toute la genèse d’un large mouvement… Depuis, il s’est passé énormément de choses, et c’est difficile de surprendre de la même façon. On ne peut pas retrouver ce qu’on a trouvé, il y a quinze ans de la même façon aujourd’hui, ça semble impossible…

Tu évoquais le punk tout à l’heure, et justement on a l’impression que Portishead revient à des sonorités post-punk…
Oui, bien sûr… Bon, moi, j’ai écouté l’album, deux ou trois rapidement… Mais je les trouve moins convaincants dans cet exercice-là. Après, on sent encore quelque chose, une fibre, qui leur est vraiment propre. En termes d’écriture, il y a quelque chose de tellement magique sur les deux premiers albums que c’est difficile de faire mieux…

On sent qu’il y a une vraie identité Wax Tailor et que c’est reconnu comme tel. On ne peut peut-être pas parler de succès, mais déjà de reconnaissance véritable. Tu t’inscris dans le paysage français. Comment vis-tu cela ?
C’est forcément plus facile à vivre qu’un échec cuisant ! (rires) Ça se passe bien et surtout, ce qui est important pour moi, c’est la façon dont les choses se sont construites. C’est-à-dire qu’aujourd’hui, certaines personnes perçoivent la chose comme si ça allait très vite et moi, j’ai un sentiment complètement différent dans le sens où ça fait plus de quinze ans que je fais de la musique. J’ai fait beaucoup de choses avant, ça n’est pas arrivé par hasard non plus… Je fais partie des gens qui ont mis beaucoup, beaucoup de temps à trouver leur identité et puis, il n’y a pas une somme de paramètres à prendre en compte… C’est aussi parce que ce n’était pas assez en place, je n’avais pas trouvé de « formule » par rapport à ça. Après ça, il y a eu un gros travail et surtout, sur les quatre dernières années, les choses sont venues très naturellement. C’est venu de façon très continuelle, il y a eu un vrai bouche-à-oreille, il s’est passé plein de choses, et je pense qu’on a réussi à construire quelque chose. Après, encore une fois, on aime ou on aime pas… On ne fera pas l’économie de quelques critiques, mais objectivement, je trouve que ça s’est construit de manière très claire et droite par rapport à la scène, par rapport à tout, et je trouve ça plutôt sain.

Ce qui est amusant, c’est qu’on te découvre aussi français…
Oui, ça par contre, c’est une récurrence… Continuellement, les gens découvrent que je suis français… Bon, voilà. (rires)

Tu sais t’entourer de femmes, il y a des talents sur ton album… J’aimerais avoir un mot sur la présence de Sharon Jones !
C’est vrai qu’on m’interpelle pas mal sur cette question de l’« omniprésence féminine »… Et ce n’était pas un axe voulu, mais c’est une évidence qu’il y a aussi, par rapport aux voix féminines, une vraie réponse par rapport à ce que j’ai envie de développer au niveau musical. Donc il y a un moment donné où c’est une envie qui apparaît. Il y a eu cette volonté de construire le disque sur des idées précises, et d’inviter des chanteuses parce qu’il me semblait évident que j’avais une idée pour elles. Sharon Jones, ça a été exactement ça. J’ai commencé à travailler sur un titre qui était plutôt sur une base hip-hop, à la base, et que j’ai commencé à ouvrir un peu vers de la soul… J’avais aussi cette envie, sur cet album, d’aller vers plus de soul… À un moment donné, ça m’a semblé intéressant de lui en parler. Le plus compliqué, ça a été d’ouvrir la porte du management – les grosses artilleries américaines… Et puis, une fois le cadenas déverrouillé, ça a été assez simple : c’est quelqu’un d’assez ouvert. Ce qui est intéressant, c’est qu’elle m’a demandé de lui écrire la mélodie vocale ; je ne m’attendais pas du tout à ça. Je me rappelle avoir dit « Mais bien sûr, aucun problème ! » et avoir raccroché en me disant « pff, alors là… ». C’est intéressant parce qu’on n’appréhende pas du tout les choses de la même façon devant un clavier en se disant « je vais faire une mélodie » ou « ça va être la voix de Sharon Jones »… Donc les choses se sont faites un peu comme ça, il y a eu pas mal d’échanges… De même pour Ursula Rucker – il y a eu une première version, j’ai pensé tout de suite à elle, je lui ai envoyé, elle m’a répondu, et on a beaucoup travaillé à distance. Et à la limite, c’était aussi un truc très intéressant pour moi ; pendant longtemps, j’ai pensé que c’était assez inconcevable de pouvoir travailler à distance, sans avoir à rencontrer directement les personnes, et aujourd’hui, je suis un peu revenu de ça, pour avoir eu des expériences contradictoires de gens rencontrés en studio avec qui il ne s’était rien passé derrière, et puis, le contraire. Des gens avec qui j’ai fait les choses à distance et que j’ai rencontrés après, ou même des gens que je connais mais avec qui je continue de travailler à distance, parce que cela permet de faire évoluer les choses et d’aller beaucoup plus loin, tout simplement.

C’est plus qu’une simple contribution à l’album, il y a un véritable échange…
Oui, il y a un échange. Mais ça, pour moi, c’était un impératif… Entre le premier et le deuxième album, il y avait pas mal de sollicitations, de choses possibles, en fait. A partir du moment où on commence à avoir un album qui marche un petit peu, il y a moyen de créer des connexions avec telle ou telle personne et je me suis fixé des limites par rapport à ça, parce que j’ai la sensation – c’est un sentiment personnel – qu’aujourd’hui, les gens ont plus besoin d’adhérer à quelque chose que d’acheter un disque. Ça ne veut plus dire grand chose, aujourd’hui, acheter un disque. On peut l’avoir n’importe comment… Ce qui importe c’est qu’ils se retrouvent là-dedans. Dans quoi ? Dans un concept, dans une façon d’appréhender les choses, dans un regard sur une démarche artistique…

On parlait d’identité tout à l’heure… L’appellation Wax Tailor pourrait-elle se rapprocher de quelque chose de l’ordre du concept, de la marque de fabrique ?
Je n’irai pas jusque là. Mais ce qui est important dans l’approche de ce projet, pour moi, c’est avoir une attitude et surtout une démarche par rapport au projet global. C’est-à-dire ne pas se dédouaner de certaines choses, c’est-à-dire être omniprésent sur tous les aspects de production – c’est pour cela que je suis encore aujourd’hui producteur de ce disque, je ne veux pas avoir quelqu’un dans mon dos pour m’expliquer quel titre choisir ou ne pas choisir, je veux pouvoir vraiment garder le final cut sur tout – et puis aussi avoir cette dimension, continuer d’être tête pensante d’un projet studio, tout en ayant beaucoup de ramifications et de gens qui gravitent autour de ce projet, qui injectent leur talent dans ce projet, en espérant que Wax Tailor leur permette d’avoir un peu de lumière sur eux… Il y a un véritable échange autour de ça, il y a pas mal de gens maintenant avec qui je collabore et qui, pour moi, apportent beaucoup à ce projet.

Par ailleurs, tu es Label Manager de Lab’oratoire, il y a des gens qui participent à ton enregistrement. Wax Tailor est un peu la vitrine du label…
Oui, complètement… Il faut que ça puisse fonctionner dans les deux sens, c’est-à-dire, que ça ne soit pas juste apporter quelque chose, mais qu’à un moment donné, il y ait un juste retour, ça me semble logique.

Deux personnes que l’on n’a pas évoquées, c’est Charlotte (Savary) et Marina (Quaisse)… La voix de Charlotte identifie le son Wax Tailor, c’est très bien, et en même temps, c’est un peu dangereux parce qu’on se pose la question de savoir si Wax Tailor existe sans Charlotte, à terme ?
Je pense objectivement que mon travail avec Charlotte, c’est une vraie réponse vocale à une partie des choses que j’ai envie de développer, donc c’est une chance, et j’espère qu’on pourra continuer à collaborer, d’ailleurs je vois pas trop de raisons. Après – on revient peut-être à la question de tout à l’heure, trip hop, abstract et caetera, c’est une réponse, une partie du travail. Est-ce que Wax Tailor existe sans Charlotte ? Il y a beaucoup de choses, déjà, il y a douze titres sur un album, il y en a neuf sans elle, donc… (rires) Quelque part, la réponse, elle est induite… En même temps, pour moi, c’est quelque chose d’important, c’est une relation privilégiée que j’ai avec elle au niveau artistique… Je sais que, par exemple, Sharon Jones, j’ai fait un titre avec elle, il est loin d’être dit que je refasse un jour un titre avec elle, ce n’est même pas forcément une envie, je ne sais pas, on verra… Charlotte, c’est bien différent. On a déjà commencé à maquetter des titres et ça me semble évident qu’on continuera à travailler ensemble.

En tout cas, c’est perçu comme tel par le public…
Bien sûr, elle a un vrai talent vocal, elle a une personnalité… On revient à ce qu’on disait tout à l’heure, je pense qu’il y a un retour des choses, parce que ça lui sert pour d’autres projets, aussi, c’est un peu une vitrine pour la suite. Mais elle apporte énormément aussi, donc c’est formidable !

Un mot sur Marina, la violoncelliste qu’on entend sur Positively Inclined ?
Marina est aussi à la genèse du projet. Quand j’ai commencé à travailler sur ce projet Wax Tailor, j’ai rencontré Marina, en 2001 – j’étais dans une phase où je gambergeais un peu. Et puis, je me suis rendu compte… J’étais un peu dans ma bulle et c’est elle qui m’a ouvert sur l’acoustique. Je crois que je n’avais jamais travaillé de titre avec des musiciens avant, j’étais vraiment en mode machine. De fil en aiguille, je me suis rendu compte qu’on avait un tronçon de culture commune, alors que j’étais incapable de déchiffrer une partition et qu’elle, elle sortait du conservatoire. Tout nous opposait, mais on avait beaucoup de choses en commun. On a fait une première séance studio qui m’a paru super intéressante et on a commencé à collaborer comme ça.

Peut-on imaginer Wax Tailor dans sa version baroque ? (rires)
Je pense qu’il y a des choses qui se croisent, il y a une notion de romantisme… Oui, complètement. Les choses se sont faites, encore une fois, d’une manière très naturelle, et aujourd’hui, je dirais que Marina, c’est quelqu’un qui n’est pas forcément omniprésent sur le dernier album — elle n’intervient que sur certains titres. Mais objectivement, quand je regarde ma façon d’aborder l’arrangement aujourd’hui, je peux dire qu’elle est présente même quand elle ne l’est pas, parce que je suis un peu une éponge, et que le fait d’avoir travaillé avec elle, ça m’a ouvert une conception un peu différente des arrangements…

Et par rapport à la scène ?
Là, en ce moment on évolue avec la formation type, avec de temps Marina au violoncelle, Ludivine Issambourg à la flûte, Charlotte au chant, Mattic de The Others, qui est venu s’installer en France pour nous accompagner sur toute la tournée et Niels Incadela pour tous les aspects visuels. Je n’arrive pas du tout à concevoir le fait de me retrouver tout seul derrière une machine, un ordinateur ou quelque chose comme ça. J’ai essayé de renvoyer le maximum d’éléments sur les platines, parce que, pour moi, c’est un élément d’énergie, où visuellement il se passe quelque chose. Où j’ai l’impression d’amener une patine. Et puis ce qui m’intéresse c’est cette façon de repenser et de réarranger les titres par rapport à l’album en fonction des instruments présents sur scène, tout simplement. Pour moi, aujourd’hui, on évolue en formation – alors évidemment, c’est encore difficile pour certaines personnes de concevoir ça comme un concert stricto habituel. Mais pour moi, c’est vraiment ça. On constitue une formation, un vrai groupe en concert.

Propos de Wax Tailor recueillis par Magali Fichter et Emmanuel Abela de la webradio européenne Flux4.

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Comment es-tu arrivé dans la musique ?

Un jour, j’ai croisé sur mon chemin "Joseph" qui ma donné un fly pour une free party. Je ne connaissais vraiment pa ce milieu … et j’ai vraiment craqué sur le son. C’est ensuite que j’ai commencé par mixer de la tribe puis maintenant de la drum&bass.

Comment décrirais-tu ton style ?

Pour moi, la drum&bass c’est un peu comme du HipHop accéléré par 2 ! D’origine anglaise, ce style musical et très apprécié la bas.

Où puises-tu ton inspiration ?

Pour les mix je m’inspire des artiste tels que Aaphrodite, Pendulum, Dj Panik, Interlope … Pour les traks que je créé je m’inspire de Caterva, Enduser, Gotek, Beastie boys, et bien d’autres encore.

Comment procèdes-tu lorsque tu travailles ?

Pour les mes créations, j’utilise des programmes tels que Cubase, Fruity loops ou Absynthe. Sinon, je mixe sur des platines vynil pour faire des sets drum&bass.

Quel est ton meilleur moment depuis le début de l’aventure ?

Le première fois où j’ai mixé a la Laiterie à Strasbourg avec mon asso FTS. Le public était bien réceptif ou et il y avait vraiment une pure ambiance. Regardez plutôt la vidéo.

Quels sont tes projets ?

J’aimerais continuer le plus longtemps possible à faire de la musique ! Trouver quelqu’un qui produira mes morceaux et essayer de me produire un peu partout dans le monde !

Qu’est ce que tu écoutes en ce moment ?

C’est vaste ! J’écoute beaucoup Wax Tailor en ce moment et le nouvel album de la Phaze. Sinon j’écoute aussi souvent Enduser, un anglais qui fait du break beat sympa, un peu de métal aussi comme les groupes produits par le label Dirty 8.

Quel est ton premier souvenir musical ?

C’est Claude François ! Tout petit, ma mére me bercait avec ses chansons !

Quel album emmènerais-tu sur une île déserte ?

Le premier album de "prodigy" … Il me donne toujours des frissons lorsque je l’écoute ! ou peut-être Raspigaous, c’est un groupe de Marseille qui font de la musique bien entrainente …

Le titre sur lequel tu ne peux pas t’empêcher de chanter et danser ?

La B.O. du film Borat "Magic Mamalina"

Quel est ton meilleur concert ?

C’était quand IAM est passé à Strasbourg en 1995, c’était vraiment un concert terrible avec une ambiance de folie.

Quelle est ta playlist du moment ?

Aphrodite 2, JAM (Jamalski Ragga Younglist), Dj Promo (Taxman), Rude Bwoy Plastic 07

Quelle musique t’indispose le plus ?

La Roumpapa dans le style musique allemande ou alsacienne ! Ca me fait vraiment trop mal au crâne !

Un mot sur ton podcast ?

J’espère juste qu’il plaira !

Le mot de la fin ?

Un très grand merci à Cedric et Claire et à toute l’équipe de SoundsHunter !

Myspace : http://www.myspace.com/mikdos

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